By
Daniel Rojas Pachas
with
No comments
jueves, 26 de febrero de 2015
domingo, 8 de febrero de 2015
VIRGENES DEL SOL INN CABARET DE ALEXIS FIGUEROA: UNA OBRA MAESTRA por EDUARDO J. FARIAS ALDERETE
VÍRGENES DEL SOL INN CABARET DE ALEXIS FIGUEROA: UNA OBRA MAESTRA por EDUARDO J. FARIAS ALDERETE
Escribir acerca de Alexis Figueroa siempre será un reto. Desde la Neovanguardia de los ochenta, a la llegada de la democracia con las generaciones de nuevos poetas con ansias de crecer, Figueroa representó una línea señera, un impulso para adentrarse en las figuras que mantuvieron por los 80 la cultura under que cohabitaba con el concepto férreo acuñado por la dictadura: “el apagón cultural”.
Ya leer “Alicia en la clínica” en el año 1994 ingresar en el nuevo mundo de la poesía que entregaban Rodrigo Lira, Enrique Lihn, Tomás Harris, Teresa Calderón, Soledad Fariña, Elvira Hernández y otros que en este momento se escapan de la memoria, momento exacto en que la poesía dejo de ser Neruda, un pálido Huidobro o un celebrado Parra.
El desprevenido lector no se percataría de que está ante un poemario “ochentero” si no es por conceptos que actualmente ya no existen o la ausencia de los términos de las décadas del siglo XXI, a pesar de esto goza de una frescura que al parecer se mantendrá en el tiempo.
Para los amantes de la memorabilia habría que decir que el poeta en comento obtuvo el Premio de La Casa de las Américas en 1986 por el poemario Vírgenes del Sol Inn Cabaret, un poema en conjunto, atractivo, inquietante, pletórico de lecturas y relecturas, un reto a los sentidos líricos y un controversial concepto de la mujer, apenas aceptado en los ochenta, década timorata, y en la actualidad potencialmente en juicio por grupos feministas (Si tuvieran la oportunidad de “mal interpretarlo”). Me refiero directamente a vigorosa vinculación entre la figura femenina con el placer sexual, una suerte de “cosificación” de la mujer, obviamente a través de las eras de la humanidad se mantuvo esa sensación esa visión utilitaria que convivió con otras, tema digno de miles de estudios sociológicos. Esta cosificación logra que las mujeres contenidas en estos versos son capaces de transformarse, enajenarse (comercializarse) capaz de volverse una máscara, actuar en el rol que se le encomiende y el que se pueda transar en dinero.
“Apuren paso para ver como bailan las muchachas,
doblando su cintura, frágiles palmeras azotadas
por el viento tropical.
Venid a los túneles de carne, calientes y esponjosos
os esperan
Las rociaremos con champaña si bebéroslas desean.
(si lo quieren) mantel, mesa serán de vuestra cena.
Las decoraremos, pintaremos, moldearemos.
La cara en general, sus dos rosados labios,
el largo del vestido.”
Figueroa adopta una visión crítica ante lo plástico de los medios de la televisión cuando la misma explotaba a mansalva a la mujer en programa en horario nocturno, cuando el régimen apostaba férrea y financieramente para distraer a la nación, recurso que a regañadientes de la facción femenina de la oligarquía gobernante. La introducción de una exigencia estética de la mujer, la creación de un estereotipo distante de la mujer común y que se separaba abismalmente de los predominantes en décadas anteriores.
“Entrad ya, no paséis frío,
vien benidos al cabaret del invierno luminoso,
vien benidos al salón de los bellos engranajes,
vien benidos al túnel del amor en las muchachas
de las luces de neón.
Vien benidos, pero antes recordad, mirad el lema,
que nuestro gigantesco zepelin de propaganda
escribe en sus costados, sobre el cielo:
“ELLAS SON PASTA MODELABLE/USTED PIDE/USTED
PAGA/ ELLAS SON ARCILLA EN NUESTRAS MANOS”.
Ahora este régimen se ve de alguna manera tangencialmente representado por toda la seguridad que rodea, es ahí que las “Zonas de Peligro” un homenaje a Tomás Harris, se materializa como un ciberboite, un puticlub rodeado de una zona militarizada, de alguna manera me queda la sensación de que estos versos me entregan un ambiente como la ciudad de Blade Runner, las luces de neón y la oscuridad, el tratamiento estético de Riddley Scott que de alguna manera se puede traducir con una deshumanización de sus habitantes, se me antoja que las vírgenes del sol inn cabaret son “replicantes” femeninas programadas sólo para entregar placer de las diversas formas en que se pueda lograr, y de fondo a The Police con la canción “Hungry for You (j'aurais toujours faim de toi) del Long Play Ghost in the Machine… recordar la portada del mismo que a primera vista aparecen tres ciber signos como de los relojes de cuarzo, como ideogramas chinos que a luz de un vistazo más profundo nos percatamos de la representación de sus tres integrantes, grupo que es citado apropiadamente por Figueroa.
Mucha atención con la prosa poética de “El Show del Salón Azul”, “La ciudad de una película. Welcome to the machine II”.
“Adentro de los bares la gente intenta ser normal. De pronto los edificios son móviles al rojo vivo y nosotros sombra de óxido sobre las estructuras del acero. Los buses policiales son Stabiles de cuerpo negro. Dos más dos son cuatro enseña la maestra mientras en la puerta observa the Donald Duck Police. El aire parece el metal sucio de un espejo, disfrazando las cosas: (ahora) “Vamos a la maquina Buck-Rogers, al subterráneo de los flipers”, escriben los aviones en el cielo.”
Uno de los recursos mejor logrados en la estructura general del Vírgenes del Sol Inn Cabaret es el trabajo de las citas, siempre arma de doble filo, pero que utilizado de buena forma y como puntal en el poema puede hacer más fluido el concepto que se desea entregar, la sucesión de citas y nominaciones nos entrega atmósfera, incluso temporal. Comencemos por los poetas, nombramos a Harris encontramos a Maquieira, dentro de los nacionales, escritores celebérrimos como William S. Burroughs, Georges Bataille, Antonin Artaud, Isidore Lucien Ducasse Conde de Lautréamont, Allen Ginsberg, el Marqués de Sade y el omnipresente, invisble y no citado Philip K. Dick. Pintores como Veemer, Rubens, Boticelli y el excelente Hieronimus Bosch. Músicos como Pink Floyd (Welcome to the Machine), Led Zeppelin, The Police (Ghost in the Machine), Madonna, Rolling Stones, Tina Turner y otros como Pier Paolo Pasolini y Fellini entre otros y un gran etc.
Atentos al trabajo gráfico dentro del poemario que más que un apoyo estético logran ser imprescindible, en el sentido de que, nos entrega una atemporalidad, ya que del contenido que podríamos situarlos en un futuro distópico, la década de los ochenta a través de las citas e imágenes y las fotografías del siglo antepasado de la década del setenta, simplemente muy apropiado.
“Vien venidos” a una de los más brillantes masterpieces de la neovanguardia ochentera de la poesía nacional, Ediciones Cinosargo se encarga de traerla a los lectores de la actualidad, esta es la cuarta edición desde la premiada versión por la Casa de las Américas, con modificaciones cada una de ellas. Alexis Figueroa logra no dejar impávido al lector.
sábado, 7 de febrero de 2015
UN POETA COREANO DICE QUE TODO POEMA ES DE AMOR”: YAKUZA, DE FRANCISCO IDE WOLLETER
“UN POETA COREANO DICE QUE TODO POEMA ES DE AMOR”: YAKUZA, DE FRANCISCO IDE WOLLETER
por Eduardo Farías A.
Yakuza (Cinosargo, 2014) ha generado una no despreciable repercusión en el ambiente poético nacional, la cual se alimenta no solo con la publicación de este poemario sino también porque el autor ha ganado el premio Roberto Bolaño tanto en novela como en poesía. Cabe recordar que la crítica literaria debe tener mucho cuidado con no caer en el oportunismo literario, más aún cuando en el medio se critica el exacerbado amiguismo. La recepción crítica, aunque suene obvio, se debe ejercer independientemente del éxito o no de un libro o de la carrera de un autor, y considerando siempre al que escribió antes.
Desde mi perspectiva, Francisco Ide Wolleter conYakuza ha demostrado una inteligencia poética al construir un personaje a contracorriente de lo que se ha hecho antes. Este yakuza no tiene nombre ni apodo, aspecto que lo diferencia de, por ejemplo, La Tirana de Diego Maquieira o La Manoseadade Sergio Parra. Junto con la identidad del hablante, no sabemos nada de su historia particular −la de antes de ser un inmigrante−, incluso no conocemos por qué es un inmigrante, cuáles son las circunstancias específicas que lo hacen emigrar. Esta decisión, a mi modo de ver, permite justamente construir las temáticas principales del poemario: el desarraigo y el amor, ya que Francisco Ide se enfoca en el momento actual de su personaje poético, de su historia solo tenemos breves alusiones: “asesinaron a mi mejor amigo a mi madre / a mi padre a mi abuelo a mi perro ante mis ojos” (11). Además, el poeta para construir Yakuza he echado mano de la intertextualidad, pero no es solo la que hace alusión a otros textos (que sí sucede en este poemario), sino aquella que se sirve de una realidad otra para traerla a un primer plano en la escritura y, en ese proceso, subvertirla para lograr dar cuenta de nuevas dimensiones en aquella realidad. Así, Francisco Ide traslada a un yakuza con todo su imaginario cultural a Chile, a este infierno, tal como este yakuza percibe nuestro país.
Respecto del personaje poético, Francisco Ide lo construye ya chilenizado: “Entre los carros de frituras aparecieron tus ojos de ave / extranjera y los vapores de la fritanga simularon / el aroma y la espesura del incienso” (35). De tal manera, no es evidente el proceso de transformación del personaje en el poemario, ni cultural ni lingüísticamente. Por tanto, en este proceso de exilio, este yakuza, tal como plantea Ignacio Morales, “está en crisis: desnaturalizado, fuera de contexto, el entorno cultural que validaba su código de honor lo ha marginado (…). Este desarraigo trae consigo la devaluación del imaginario habitado y su actual inadecuación topográfica e ideológica” (1). A partir de esta característica del poemario es que el hablante ya no ejerce la violencia (al menos la física) característica de un yakuza y sólo puede contentarse con la simulación: “contemplo la única foto tuya que conservo / y te lanzo shurikens con la mirada // los lanzo levemente desviados / con la secreta esperanza de que sientas / el metal frío y afilado de una estrella / rozándote la frente” (8) y con el recuerdo infundido de imaginación, tal como sucede en el poema Scanners: “Dispararle con metralla a una sandía en Sudamérica / es infinitamente más realista. // Ahora pienso que cuando ametrallé la cabeza / de Yoshida ‘el-hijo-de-puta’ / fue como ametrallar una sandía sudamericana” (24). Y este yakuza tiene plena consciencia de que la violencia es solo parte del recuerdo: “soy una ciudad poblada de imágenes inmóviles / y violentas” (41).
Toda esta temática que construye Francisco Ide alcanza su punto más alto, a mi modo de ver, en el poema Telépatas: “Nunca entendiste eso / o no tuve tiempo de explicarte. / Lo cierto es que jamás te asesinaron. / La primera bala que se incrustó, quirúrgica, efectiva / en tu cerebro, era para mí. Le apuntaron a la imagen / que tenías de mí en tu cabeza. // No has muerto. // Si abro el agujero repleto de cal en que te enterraron / no vas a estar. // Si abro la caja en que te metieron hecha pedazos / no vas a estar. // Si rajo el estómago de los peces / que te devoraron en el fondo marino / no vas a estar. // (…) No estarás tampoco en el puñado de cenizas / que dejaron en la puerta de mi casa / como una especie de advertencia. // Yo barrí con mis pies un puñado de cenizas / y tú no estabas” (49). Si en Japón para este yakuza la violencia cohabita con el amor, en Chile la paz aparente coexiste con la soledad.
Además, a diferencia de la identidad de este yakuza, el amor sí tiene nombre en este poemario: Yasunara Satori, quien es la mujer, el sujeto de deseo y que marca el sufrimiento del personaje poético: “No te alcanzo, no te alcanzo / todos los barcos en que navego se hunden / y los pasajes de avión son tan caros” (32) o, por ejemplo: “Lloro cada tarde (…) / No tengo nada en este país de mierda. // No te espero” (50). El amor, finalmente, es lo que da sentido a este poemario. Sin embargo, este yakuza no vive el amor de Yasunara, por el contrario, vive su ausencia, lo que deja huellas de sufrimiento a lo largo del poemario. Una parte de la construcción teórica del amor, para mí la más importante, se aprecia en el poema Instant Karma: “Un poeta coreano dice que todo poema / es de amor y que / no pensar en la muerte es / no apreciar la vida. / Hay cosas por las que sería un goce y un honor, morir” (27). Toda esta cita acerca del poema y de la reflexión poética se da, como otro punto alto del poemario, en Vapores, donde la muerte se funde con la amada en la construcción de la mujer, vinculándose las imágenes del poema con la película El Aro, una de las múltiples intertextualidades del libro, las que, en algunos casos como este, resultan enriquecedoras y en otros casos no dicen nada, como la inclusión de una fotografía de La Venus del Espejo en el poema La Venus de Velázquez, fotografía mal impresa, mal trabajada y que solo entorpece el ritmo del poemario.
Para terminar, Francisco Ide ha construido un poemario coherente y muy interesante, en el cual se expone el desarriago cultural y la soledad, junto con todo el sufrimiento que se da por la ausencia de la amada, que provoca la inmigración involuntaria. Y algunos podrán pensar que, a partir de tales aspectos literarios, Yakuza fue escrito para ser analizado por la academia desde los estudios culturales y la subalterrnidad, que la vida de este personaje es un reflejo de la violencia que provoca la inmigración. Sin embargo, Francisco Ide, específicamente en el postfacio, demuestra que Yakuza es un proyecto poético donde lo central es hacer literatura, y con él este autor llegó para quedarse.
Yakuza
Francisco Ide
Cinosargo, 2014
___________________________
Eduardo Farías Ascencio (Santiago, 1985) es Licenciado en Letras Hispánicas PUC y Magíster en Edición por la Universidad Diego Portales/Pompeu Fabra. Ha publicado poemas y críticas en diversos medios. Se ha desempeñado también como editor en la Revista Grifo.Actualmente es director editorial de Gramaje Ediciones.
___________________________
NOTAS
(1) 893: Apuntes sobre YAKUZA (Francisco Ide, Cinosargo ediciones 2014) por Ignacio Morales Valdivia: http://www.cinosargo.com/2014/09/893-apuntes-sobre-yakuza-francisco-ide.html
lunes, 2 de febrero de 2015
"Los nortes que hay en el norte" de Fernando Navarro Geisse Por Karen Pesenti
Por Karen Pesenti
Cuando hablamos de poesía, siempre se piensa en los poetas santiaguinos quienes tienen no solo el beneficio(si se puede llamar así) de vivir en la capital sino también estar protegidos por el centralismo que los hace, sin mayor mérito, ser poetas nacionales pero ¿que sucede con el resto de los poetas? los nortinos por ejemplo.
Es aquí donde esta antología cobra importancia, ya que su autor creo poetas para justificar irónicamente la falta de una cartografía cuidadosa de la poesía nortina.
El autor se arriesga desde su conocimiento de los poetas base a generar otros que no solo ironizan con lo establecido sino que sienta las bases de la poesía nortina. "los nortes que hay en el norte" es una jugada riesgoza porque pretende enrrostrar a la academia la falta de conocimiento que tienen del panorama chileno.
Esta antología no solo juega con la capacidad creadora y conocedora de quien escribe, sino que limita los espacios poéticos de nuestro norte diferenciando dichas zonas escriturales desde su paisaje y problemática.
Es por ello y mas que este libro cobra importancia. porque muestra al resto de Chile quienes son los poetas del norte y cuales son sus temas.
domingo, 1 de febrero de 2015
miércoles, 21 de enero de 2015
martes, 20 de enero de 2015
viernes, 16 de enero de 2015
sábado, 10 de enero de 2015
Entrevista a Sergio por El tipo - Sergio Montorfano ( Poesía, Cinosargo Ediciones
Entrevista
a Sergio por El tipo - Sergio Montorfano
(
Poesía, Cinosargo Ediciones )
A pesar de que en un par de años ha demostrado que su
destreza es deslizar particulares letras en las pistas de Utópiko o
Dieguelz a la hora de hacer rap, en la poesía no se queda atrás. Es más, rap y
poesía van de la mano. Cualquiera que lea el poema
“ Si solo pudiese hacer algo…” y luego escuche “ La
caja musical”(Cortocircuito), se dará
cuenta de que el primero fue la antesala del segundo, o que éste último fue la
adaptación para lograr un toque más musical en la letra, etc. Pero bien, de lo
que vinimos a hablar es el poemario.
La poesía de Montorfano no se adentra en vericuetos de la
estructura ni en la complejidad de la rima (salvo en “Soneto claro de luna”),
más bien nos toparemos con un uso bien equilibrado de metáforas bastante
rebuscadas e ironía juguetona que dan paso a un lenguaje poético inusual,
rebelde, y de fácil llegada al lector. Otro factor interesante es el
humor un tanto desconcertante que hay en ciertos poemas, insertados como
“pausas” luego de un poema de índole más seria.
Cabe destacar dos ejemplos de lo anteriormente expuesto:
- Una temporada en el infierno
“-¡Que hermoso vestido de fuego! ¿Dónde lo compraste?
En el infierno, durante las vacaciones.
- Que envidia y yo la arrogante que solo ha ido por el día
al limbo. Te ves profana galla.”
Al ver el título es obvia la alusión al célebre poemario de
Rimbaud, no así lo que nos encontraremos en un par de versos donde el limbo se
podría comparar a la arena repleta de huesos de pollo de Cartagena. Puro
Chilensis.
“ ¡Métemelo!
- No quiero.
¿Por qué no?
- Porque te vas a enamorar.
Te juro que no. ¡Métemelo!
- ¡Lo juras!
Si.
- Te amo.
Te lo dije…”
En este caso no hace falta ni explicación po´. Bien.
“Una temporada en el infierno” es, aparte, el poema que precede
al texto que da nombre al poemario “Entrevista a Sergio por El Tipo” donde,
como lo deja en claro el título, este extraño tipo se entrevista a sí mismo.
“Cuentame Sergio, ¿qué edad tienes?
- Mi carnet y mi madre dicen que tengo 23 años, pero no
estoy muy seguro, en ocasiones me siento en la plenitud de la infancia y en
otras, un anciano desagradable y añejo.”
Es uno de los extractos más nombrados en las redes
sociales. En fin. Podría seguir hasta en pequeñas estrofas dar a conocer todo
el libro, pero no es la idea.
Recomiendo totalmente escuchar a Borderline (grupo del cual
es vocalista El Tipo) pues, junto a unos pocos marcan la diferencia en el rap
chileno. Y por supuesto, adquirir el poemario.
Apoyemos el producto nacional! Dejo como final una de las
frases que más me gustó del libro, del poema “Los días no llegan”.
“Mis manos en tu cintura no son tenazas
No son cadenas ni trampas.
¡No quiero que seas mía!
¡Quiero que seas tuya!”
---
Entrevista por Eduardo Bustamante Fernández (1996)
Escritor y dibujante ( Krekin Art )
Mención honrosa en el segundo concurso
juvenil de Poesía Pablo Neruda
miércoles, 7 de enero de 2015
Una violencia necesaria: Yakuza, de Francisco Ide Wolleter por Carlos Henrickson
Una violencia necesaria: Yakuza, de Francisco
Ide Wolleter
Desde su raíz el
oficio de la poesía sabe ficcionalizar a sus hablantes: más allá de la sombra
ritual que recorre su historia -matriz última del Yo es otro rimbaldiano-,
se hace propio de una práctica técnica que su instrumento se reconozca como
ajeno, y cuando algo tan resueltamente propio como la palabra se enajena, sólo
podemos esperar que el autor se resuelva a plantear una segunda voz, su
máscara. En la dialéctica de la creación, esta máscara tampoco podrá permanecer
como radicalmente ajena, y tendrá que compartir rasgos de su origen; esto
deberá complejizar nuestra lectura, para saber hallar los canales de la voluntad
del autor, que acaba siendo inevitablemente la conciencia ética tras su escritura.
Francisco Ide
Wolleter (Santiago, 1989), en su primer libro Yakuza (Arica: Cinosargo,
2014), se decide a fundamentar todo un mundo poético sobre una ficción
elaborada y detallista: el supuesto refugio de un miembro de la mafia japonesa
en un entorno latinoamericano degradado que le resulta, más que sólo ajeno,
derechamente una provincia del infierno. Ide toma a su cargo esta
representación asumiendo en pleno la extrañeza radical que implica el doble
extravío de la posibilidad del hablante: el lugar del que hablará tendrá que
ser necesariamente marcado por la expectativa de esta extrañeza, perspectiva
que se apoya sobre los imaginarios cinematográficos del cine policial oriental,
en un trabajo de imagen poética que se decide a mimar el tempo cinematográfico,
buscando una analogía en la experiencia estética. Imágenes como:
Sorbo la cerveza por los colmillos
exhalo el humo / volutas de sangre
escupidas sobre el agua.
(“M”)
no sólo son
pensadas desde la pura visualidad, sino que apuntan a la extrema sofisticación
de la forma que ha hecho característica la estetización de la violencia en su
representación cinematográfica contemporánea, predominante en el cine oriental
de acción. Esta labor de representación no se refiere simplemente a las escenas
violentas, sino que permea atmosféricamente este tipo de estética, asumiendo en
el espectador un contemplador que debe entregarse acríticamente a una
belleza de extrema artificialidad que acostumbra hacerse autónoma de toda
pretensión naturalista.
Esta belleza recargada,
este quedarse de la forma en sí misma, que implica el predominio del
gesto por sobre la acción completa, es seguido por Ide a través de una notable
capacidad de construcción de imágenes poéticas concentradas y eficaces. Poemas
como Oro negro o Moonwalk son de una factura que llega a
sorprender, precisamente en la medida en que la ficción de base le permite
retomar tópicos e imágenes que en la poética de nuestros países remiten al ya
lejano modernismo, entregándoles de vuelta una capacidad de cercanía e impacto
estético:
Voy en puntillas, descalzo,
cuidándome de la brisa
que es el jadeo de una leona
en la siesta de su leonera.
(“Moonwalk”)
Así, Ide logra
disponer de un imaginario -y por ende, un vocabulario- lo suficientemente
amplio para una apertura temática y estilística que le señala desafíos
importantes que en general son resueltos con una capacidad técnica excepcional.
Así, la intensidad de los poemas amorosos -de los cuales la densidad visual de Oro
negro resulta ejemplo mayor- o la decidida exploración de la violencia
estetizada en Telépatas, de clara raíz cinematográfica, saben
desarrollarse tomando como base imágenes concentradas dispuestas con el cuidado
suficiente para garantizar la empatía inmediata del lector, sin hacer necesario
que éste se halle inmerso en el mundo poético general del libro.
En fin, el
enmascaramiento de la voluntad del autor logra su objetivo: plantearnos dentro
de una experiencia estética definida por una situación de extremo riesgo, en la
cual la percepción de lo presente resulta violentamente necesaria. Resulta
natural, en este sentido, la vinculación con Tomás Harris en Cipango, no
obstante allí el enmascaramiento se hacía plural y, por lo mismo, apuntaba a la
velocidad que suponía el delirio más que a la concentración del tiempo y de la
imagen. Sin embargo, habría que decir, más bien, que Ide recupera en su labor
una intuición permanente de la mejor parte de la literatura de los 80 en Chile:
que el saber de la poesía requiere una colonización mutua entre ésta y los
reinos imaginarios entregados por la cultura de masas, en pos de resolver su
situación en medio de una crisis cultural profunda.
